La conmovedora película de Chloé Zhao sobre la muerte del hijo de Shakespeare lleva a la pantalla la novela de Maggie O’Farrell con toda su elocuencia y fuerza emocional intactas.
Habría sido fácil caer en el sentimentalismo o el melodrama al contar cómo la muerte del pequeño Hamnet, de 11 años, afectó a sus afligidos padres.
Sin embargo, la película es profundamente conmovedora, en gran parte gracias a la profundidad y la honestidad de sus intérpretes, Jessie Buckley en el papel de Agnes, la esposa de Shakespeare, una mujer de carácter fuerte e intuitiva, y la verdadera heroína de la película; y Paul Mescal aporta una humanidad rica y realista al personaje del propio Shakespeare.
Vemos a Agnes en el presente, cuando su mejor amiga Lydia (Naomi Ackie) la visita en la universidad de Nueva Inglaterra donde enseña, pero la película también nos lleva a unos años atrás, cuando ella y Lydia eran estudiantes universitarias y Agnes fue agredida sexualmente por uno de sus profesores.
Victor narra los días previos y posteriores a la agresión con franqueza y un humor sarcástico e impasible, de modo que un drama potencialmente sombrío se convierte en una oda peculiar y agridulce a la resiliencia y la amistad femenina.
El coguionista de la película, Will Arnett, interpreta a un ejecutivo financiero hastiado que se ha distanciado de su esposa (Laura Dern). Una noche, se sube a regañadientes al escenario de un club de comedia de Nueva York, solo para evitar pagar la entrada.
Pero, para su sorpresa, descubre que el stand-up le permite abrirse y hablar de sus problemas, además de recordarle que la mediana edad puede ser algo más que la paternidad y un trabajo de 9 a 5.
La audaz obra original de Paul Thomas Anderson tiene el ritmo y el humor de una comedia disparatada, al tiempo que presenta un conmovedor drama familiar y una trama muy seria sobre gobiernos autoritarios y conspiraciones racistas.
Lee Byung-hun interpreta a un veterano gerente de una fábrica de papel que está completamente satisfecho con su carrera, su esposa, sus hijos y su vida en general.
Pero el orgullo precede a varias caídas. No puede creerlo cuando de repente lo despiden. Y se sorprende aún más cuando ninguna otra empresa lo contrata.
Con su hogar familiar en peligro y el futuro de sus hijos en juego, decide convertirse en un Mr. Ripley sin mucho talento y comienza a asesinar a los candidatos rivales para el trabajo que desea.
El tono único de la película se establece desde el principio, cuando un texto en pantalla nos sitúa en el Brasil de 1977, descrito como «una época de gran maldad», una forma decididamente discreta de describir el país bajo una dictadura.
Wagner Moura es dinámico y aporta todo su carisma al papel de Marcelo, un profesor apolítico que se cruza con un oligarca vinculado al gobierno y se convierte en blanco de un asesinato.
Escrita y dirigida por la tunecina Kaouther Ben Hania, la película recrea un incidente desgarrador ocurrido en enero de 2024: una niña palestina de 5 años quedó atrapada entre los restos de un auto en Gaza, aterrorizada por la posibilidad de que un tanque israelí abriera fuego, y, en sus últimas horas antes de morir, habló por teléfono con unos voluntarios de la oficina de la Media Luna Roja Palestina.
Los actores interpretan a los voluntarios, que intentan desesperadamente conseguir una ambulancia para rescatarla, pero la voz al otro lado de la línea es una grabación de la propia Hind Rajab.
A pesar de su título (Affeksjonsverdi, «Valor sentimental»), la gran fortaleza de este elocuente drama familiar es su tono sincero, pero poco sentimental, ya que explora la compleja dinámica entre un padre que es un brillante director de cine y las dos hijas adultas con las que intenta, bastante tarde, establecer un vínculo emocional.
Stellan Skarsgård ofrece la que podría ser la mejor interpretación de su larga y variada carrera en el papel del padre, Gustav Borg, al que retrata como un artista egocéntrico sin complejos que, sin embargo, siente un amor y una preocupación genuinos por sus hijas.
Vahid Mobasseri interpreta a Vahid, un mecánico que escucha por casualidad una conversación y reconoce la voz del guardia que lo torturó cuando era preso político.
Decide secuestrar a su torturador, pero hay un pequeño inconveniente: a Vahid le vendaron los ojos en la cárcel, por lo que no puede estar completamente seguro de que sea el hombre adecuado.
La única solución que se le ocurre es recorrer Teherán en auto y pedir consejo a sus compañeros exprisioneros.
Timothée Chalamet interpreta al héroe más improbable —un joven egoísta que se abre camino en la vida con engaños y sueña con convertirse, nada menos, que en campeón de ping-pong— y lo convierte en un personaje infinitamente fascinante en esta película de época de Josh Safdie, ambientada en el Lower East Side de Nueva York en la década de 1950.
Chalamet define con precisión al alegre, enérgico y locuaz Marty Mauser como un tipo tan decidido a salir adelante que ni siquiera se da cuenta de lo despiadado que es.
Como de costumbre, vemos a Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig con su elegante traje, resolviendo enigmas desconcertantes y burlando a villanos malvados.
Y, como telón de fondo de todas estas travesuras, asistimos a una sátira forense de los sectores más privilegiados de la sociedad estadounidense.
En la primera entrega de «Puñales por la espalda», los hijos privilegiados de los ricos eran el blanco de la lupa de Johnson; en Glass Onion, eran los hipsterstecnológicos y los influencers vacíos; y en Wake Up Dead Man, son los líderes religiosos apocalípticos y los políticos que los explotan.
Este trío de historias independientes, cada una ambientada en una ciudad diferente y con un reparto estelar distinto, vuelve a ser más complejo, ambicioso y profundo de lo que podría parecer.
Cada segmento tiene su propio tono, pero todos comparten el tema de los hijos adultos y los padres que se malinterpretan o no se conocen, incluso cuando intentan entenderse.
Los segmentos van ganando en seriedad.
Hay comedia mordaz cuando Adam Driver y Mayim Bialik, como hermanos distantes, visitan a su padre (Tom Waits) en Nueva Jersey.
Cate Blanchett y Vicky Krieps son hermanas que toman el té con su madre (Charlotte Rampling) en Dublín, en un drama realista de frías conexiones perdidas.
Y hay un aire elegíaco y un sentido de la historia en el segmento de París, con Indya Moore y Luka Sabbat como hijos de expatriados estadounidenses.
Con su estilo fluido habitual y más conmovedor que nunca, Jarmusch dice más sobre la familia en cada sección relativamente breve que la mayoría de los cineastas en horas. (CJ)
Weapons («La hora de la desaparición») comienza a las 02:17, una noche en un suburbio sin nombre, cuando 17 niños pequeños de la misma clase de primaria se levantan de sus camas, salen de sus casas y huyen en la oscuridad.
A partir de ese momento, los angustiados vecinos tienen que lidiar con la pregunta de qué ha pasado y por qué.
Denzel Washington interpreta a David King, un magnate de la industria musical cuyo hijo adolescente es secuestrado para pedir rescate, aunque resulta que el secuestrador se ha equivocado y ha secuestrado al hijo del asistente de King (Jeffrey Wright).
¿Pagará King, que está sin dinero, por el hijo de otra persona?
Lee da forma a ese dilema moral con sus tropos habituales, mezclados en una película fluida. Su profunda conciencia de la raza y la clase aparecen como cuestiones sociales omnipresentes.
Hay imágenes deslumbrantes, como el lujoso ático de King en Brooklyn, repleto de obras de artistas negros. Hay música vibrante, que va desde el rap hasta la salsa, pasando por una banda sonora orquestal completa.
Y, mientras King se enfrenta al secuestrador, hay una persecución electrizante por el metro de Nueva York durante la concurrida celebración del Día de Puerto Rico.
Washington está en su mejor momento (sin exageraciones) y A$AP Rocky ofrece una actuación impecable en un papel secundario.
Bring Her Back («Haz que regrese») es una historia meticulosamente construida y con una atmósfera pegajosa sobre un hermano y una hermana huérfanos, interpretados por Billy Barratt y Sora Wong, que son enviados a vivir con una madre adoptiva de acogida, quizás demasiado acogedora, interpretada por Sally Hawkins.
La clave es que los Philippou se toman el terror y el drama de la película con la misma seriedad.
En lugar de recurrir a sustos baratos o giros artificiales, cuentan una historia emocionalmente poderosa sobre personas tridimensionales en un entorno creíble; da la casualidad de que esta historia en particular involucra posesiones demoníacas y zombis devoradores de carne.
Jane Austen sabía que el dinero y el matrimonio están entrelazados para siempre, y Celine Song ha trasladado inteligentemente esa idea, junto con una gran dosis de ironía, al siglo XXI en esta deliciosa comedia romántica.
Materialists («Materialistas») puede parecer una comedia romántica tradicional, pero rompe con cualquier idea preconcebida del género y ofrece una visión clara de las relaciones en nuestro mundo materialista.
Key interpreta a Charles, un alegre y excéntrico ganador de la lotería que paga a su dúo folk favorito, Herb McGwyer (Basden) y Nell Mortimer (Mulligan), para que den un concierto en directo en la pequeña isla donde vive.
El problema es que el dúo se separó hace años, tanto profesional como personalmente, y Charles no les ha dicho a ninguno de los dos que el otro también estará en la isla.
De las muchas películas que han tratado el tema de la fama en la era de las redes sociales, con su vínculo aparentemente cercano pero ilusorio entre los fans y las celebridades, pocas han sido tan logradas y actuales como este penetrante thriller psicológico.
En su primera película, el guionista y director Alex Russell (guionista y productor de The Bear and Beef) controla con maestría la trayectoria de la historia, en la que el personaje central cruza la línea que separa el fanatismo extremo de una relación parasocial tóxica.
Matthew (Théodore Pellerin) trabaja como dependiente en una tienda cuando entra el cantante de música pop Oliver (un carismático Archie Madekwe).
El entusiasta Matthew es aceptado en el séquito de Oliver, pero aunque la película nos muestra su perspectiva, eso no lo convierte en un héroe.
Como espectadores, nos incomoda la forma en que se deja ridiculizar y tratar como una mascota. Y cuando Oliver lo ignora, Matthew se vuelve loco.
Mientras que la mayoría de las películas sobre el fanatismo se dirigen directamente al horror, este retrato inteligente y escalofriante es más efectivo porque solo llega al suspenso del acoso.
Companion («Compañera perfecta»), la película independiente estadounidense más incisiva del año hasta la fecha, está protagonizada por Jack Quaid y Sophie Thatcher, que interpretan a una joven pareja muy enamorada que se va a alojar con unos amigos en la remota casa de campo de un magnate ruso.
A medida que se desarrolla una noche de confesiones, sospechas y desacuerdos entre borracheras, al principio parece que la película podría ser una comedia romántica, o tal vez un thriller noir sobre un robo que sale mal.
De hecho, Companion es una comedia de ciencia ficción y suspense, pero más allá de eso, cuanto menos se sepa de antemano sobre la película, más se disfrutarán sus ingeniosos giros y vueltas.
Michael B. Jordan resulta astutamente convincente en el papel de los gemelos Smoke y Stack, que regresan de Chicago a su ciudad natal en Misisipi, en el sur segregacionista de 1932, para abrir un bar de música.
Con una gran ambición e imaginación, Coogler mezcla géneros y tropos familiares en una película totalmente original que difumina lo real y lo sobrenatural.
Sinners es una película de época y también un filme de vampiros. Es un drama sobre el racismo, la familia, la superstición y la espiritualidad, y viene acompañado de sexo apasionado y música blues estimulante.
Coogler dirige con brío, creando en ocasiones una fantasmagoría en la que músicos africanos con túnicas aparecen junto a raperos.
La primera hora está tan llena de matices que podría considerarse una película de época independiente, pero lo sobrenatural acaba irrumpiendo, lo que conduce a un final lleno de acción, sangre y venganza.
El fascinante documental de Miranda Yousef cuenta la historia, más extraña que la ficción, de Thomas Kinkade, uno de los artistas más vendidos de la historia.
Los críticos tacharon su obra de empalagosa y nauseabunda, pero en las décadas de 1990 y 2000 había tiendas por todo Estados Unidos dedicadas a las sentimentales pinturas de Kinkade de acogedoras casas de campo.
Art for Everybody plantea preguntas fascinantes sobre quién decide qué se considera arte legítimo y si algunas pinturas pueden ser más morales que otras, cuestiones que resuenan hoy en día, a la luz de las continuas guerras culturales en Estados Unidos.
Alex Garland, guionista y director de Civil War, y Ray Mendoza, veterano y asesor militar de la película, han creado un drama desgarrador, visceral y en tiempo real que recrea una batalla entre los Navy Seals y los yihadistas de al Qaeda.
La técnica virtuosa de Garland y la experiencia de primera mano de Mendoza en la guerra se fusionan en una película de enfoque inflexible, que nos sumerge en la intensidad del combate sin explicaciones ni antecedentes.
En lo profundo de la frondosa campiña francesa, Totone (Clément Faveau), un adolescente desaliñado y holgazán, tiene que cuidar de su hermana menor, Claire (Luna Garret), tras la repentina muerte de su padre.
¿Su solución a sus graves problemas económicos? Elaborar un queso de lujo galardonado.
La ópera prima de Louise Courvoisier Vingt dieux (también conocida como Holy Cow o «La receta perfecta») es un drama conmovedor sobre el paso a la madurez, arraigado en la tierra de la región del Jura, donde creció.
Dirigida por Nick Park y Merlin Crossingham, la película nominada al Oscar «Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas» está repleta de las cualidades que hacen que las aventuras absurdas de Wallace y Gromit sean tan apreciadas: la minuciosa animación stop-motion con plastilina, los artilugios al estilo Heath Robinson, los guiños al cine clásico, el humor británico alegremente absurdo y el profundo afecto por los personajes y su mundo.
La protagonista, Shula, es una mujer cosmopolita que acaba de regresar de la ciudad a su pueblo en Zambia.
Nyoni transmite esta disonancia de inmediato, cuando Shula regresa a casa después de una fiesta de disfraces vestida con un casco plateado brillante y gafas oscuras (un homenaje a un vídeo de Missy Elliott) y encuentra a su tío Fred muerto en un camino de tierra.
A medida que la historia nos adentra en los rituales funerarios tradicionales de la familia, se va revelando poco a poco que Shula y dos primas fueron abusadas por Fred cuando eran niñas, una realidad que sus madres dejan de lado mientras lloran la muerte de su hermano.
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